Mardi 13 octobre, le Centre Européen du Judaïsme et IsraeliJazz accueillent le Yogev Shetrit Trio pour son premier concert parisien. Entre jazz contemporain, influences marocaines, rythmes andalous et mélodies juives traditionnelles, une soirée placée sous le signe des rencontres musicales. Avec, dès 19 heures, une dégustation de vins israéliens.

Il est des musiques qui racontent, mieux que bien des discours, la rencontre des cultures et la fidélité aux origines.

Batteur et compositeur israélien, Yogev Shetrit a fondé son trio en 2016 pour donner vie à ses propres compositions. Nourri de ses racines marocaines, des traditions gnawa et andalouses et du jazz contemporain, il développe un langage musical où les héritages ne s’opposent pas : ils se répondent.

Son troisième album, Way of Tradition, paru en mai 2025, témoigne de cette recherche musicale qui fait dialoguer tradition et modernité.

Pour sa première apparition parisienne, le trio interprétera ses compositions originales, mais également plusieurs mélodies de la tradition juive revisitées, parmi lesquelles Lech Eli, Shalom Le’Ben Dodi et Shalom Aleichem.

Organisée par le Centre Européen du Judaïsme et IsraeliJazz, la soirée débutera par une dégustation de vins israéliens.

Une occasion de découvrir un musicien, mais aussi de soutenir concrètement la présence de la création israélienne sur les scènes françaises.

Informations pratiques

Mardi 13 octobre 2026

Lieu : Centre Européen du Judaïsme (CEJ), 10, place de Jérusalem, Paris 17e.

• 18 h 45 : Ouverture des portes

• 19 h : Dégustation de vins israéliens offerte aux participants

• 20 h – 20 h 15 : Concert du Yogev Shetrit Trio

Réservations

Billet concert — 36 €, dégustation comprise.

Réserver un billet concert

Carré OR — 80 €, comprenant une place à table près de la scène, un verre de vin israélien et des amuse-bouches. Selon les organisateurs, 50 € correspondent à un don donnant lieu à reçu fiscal.

Réserver une place Carré OR

Découvrir Yogev Shetrit en musique

Way of Tradition

Yogev Shetrit sur i24NEWS

Pour en savoir davantage sur le projet IsraeliJazz :

Découvrir la vidéo de présentation

Organisation : Centre Européen du Judaïsme et IsraeliJazz.

La Rédaction de HaBayta

Daniel Horowitz recevra Georges Bensoussan à Tel-Aviv le 8 novembre prochain pour une rencontre autour de son livre Une nouvelle histoire du sionisme (1860-1950). Une soirée ouverte au public, sur inscription, que Habayta est heureux de relayer.

Daniel Horowitz invite ses lecteurs et amis à une rencontre avec Georges Bensoussan, historien spécialiste de l’histoire juive contemporaine, de la Shoah et du sionisme.

Agrégé et docteur en histoire, longtemps responsable éditorial au Mémorial de la Shoah à Paris, Georges Bensoussan présentera son ouvrage Une nouvelle histoire du sionisme (1860-1950), récemment publié chez Gallimard dans la collection Folio Histoire.

Ce livre prolonge un travail engagé de longue date sur les origines intellectuelles, politiques et historiques du projet sioniste.

Georges Bensoussan est notamment l’auteur de Une histoire intellectuelle et politique du sionisme, 1860-1940 (Fayard, 2002) et de Juifs en pays arabes. Le grand déracinement (1850-1975) (Tallandier, 2012). Il a également dirigé, en 2002, Les Territoires perdus de la République, ouvrage qui fut parmi les premiers à documenter la montée de l’antisémitisme dans l’école française et, plus largement, celle de l’islamisme.

La rencontre

Dimanche 8 novembre 2026 à 19 h 30

Chez Daniel Horowitz
8 Michael Ne’eman, Tel-Aviv – secteur Glilot

L’entrée est gratuite et la rencontre sera précédée d’un buffet.

Le nombre de places étant limité, l’inscription est indispensable :

📩 daniel@danielhorowitz.com
📱 WhatsApp : +972 54 643 8944

Parking gratuit.

Daniel Horowitz présente ainsi la rencontre :

« J’ai le plaisir de vous inviter à une rencontre qui s’annonce passionnante avec Georges Bensoussan. »

Habayta relaie avec plaisir cette invitation de Daniel Horowitz.

Lire le Blog Daniel Horowitz

Philippe d’Anière nous avait prévenus. Il est passé à l’acte. Ses photographies de tables de bon vivant sont devenues, sous le pinceau de Vadim Korniloff, des natures mortes tirées ensuite à dix exemplaires. La rencontre de deux personnages qui n’ont jamais beaucoup goûté le consensuel. Derrière le clin d’œil, un véritable travail d’artiste.

On avait d’abord cru à une plaisanterie de Philippe d’Anière. C’eût été assez conforme au personnage. Après Saint-Tropez, Coco, les plages privées et les considérations sur l’état de la France, voici donc la plancha élevée au rang d’œuvre d’art.

Seulement voilà : Philippe ne s’est pas contenté de photographier son déjeuner et de l’encadrer. Il a confié ses images à son ami Vadim Korniloff.

Et Korniloff est peintre. Un vrai. Né en 1972, autodidacte, il expose depuis 2007, de Beyrouth à New York, Paris, Luxembourg ou Nice. Il illustre Rimbaud, Baudelaire, Verlaine, des romans ; écrit lui-même ; fréquente Figuration Critique ; a reçu plusieurs prix. Son univers, volontiers expressionniste, naïf et surréaliste, promène ses personnages déformés entre poésie, ironie et inquiétude. Vadim Korniloff

L’homme possède surtout quelques dispositions naturelles pour s’entendre avec Philippe d’Anière. En 2013, Korniloff avait lancé W.C. National : des peintures accrochées dans les toilettes d’une trentaine de restaurants de Metz, pied de nez à l’art conceptuel et à l’inévitable urinoir de Duchamp. Vadim Korniloff

On commence à comprendre. D’un côté, Philippe compose ses planchas, les photographie et leur donne cette esthétique très personnelle du déjeuner pris au sérieux. De l’autre, Korniloff reprend ces images et les peint à l’acrylique : crevettes, poisson, poulet, sandwich, saumon.

Le résultat s’appelle, avec une parfaite absence de modestie :

Les œuvres originales, signées Korniloff, sont proposées à 1 000 euros. Elles donnent ensuite lieu à des reproductions digigraphiques FineArt, grand format, limitées à dix exemplaires, vendues 300 euros. La boutique de l’artiste présente explicitement la série comme une collaboration artistique exclusive. Vadim Korniloff

Il fallait quand même un certain culot. Prendre une plancha de crevettes, la faire entrer dans l’histoire très encombrée de la nature morte, la numéroter, la signer et annoncer : 300 euros le tirage, 1 000 l’original.

Mais le plus amusant est peut-être que, lorsqu’on regarde le reste du travail de Korniloff, la plancha paraît presque sage. Chez lui, les anges ont les pieds nus, Rimbaud devient une drôle de procession humaine, les cafés se peuplent de visages inquiétants et burlesques. Son monde est beaucoup moins décoratif qu’il n’en a l’air.

Alors finalement, ces deux-là étaient faits pour se rencontrer.

Trois exemplaires auraient trouvé acquéreur dès le lancement. Après tout, pourquoi pas ? Warhol avait ses boîtes de soupe. D’Anière et Korniloff auront leurs planchas.

Voir la série Nature morte pour bon vivant ! sur la boutique de Vadim Korniloff
La série sur la boutique de Vadim Korniloff

Site officiel de Vadim Korniloff

À quel moment la critique d’Israël change-t-elle de nature ? Quand le discours sur le conflit israélo-palestinien rencontre-t-il les vieux motifs de la diffamation antijuive ? Dhimmi Watch ouvre cette question mardi 29 septembre avec Richard Prasquier et Jean Quatremer.

« Comment le palestinisme devient un antisémitisme présentable » : l’intitulé choisi par Dhimmi Watch ne cherche pas la neutralité. Il énonce une thèse — et propose de la soumettre au débat.

Pour sa rentrée, l’association réunit Richard Prasquier, ancien président du CRIF, et Jean Quatremer, journaliste et correspondant européen de Libération, autour d’une interrogation devenue centrale depuis le 7 octobre 2023 : comment analyser la transformation d’une partie du discours sur Israël et les Juifs après le massacre perpétré par le Hamas ?

La rencontre entend notamment interroger le déni ou la relativisation du 7-Octobre, le retournement de l’accusation contre Israël, ainsi que la résurgence, sous des formes contemporaines, de représentations antijuives anciennes.

Un sujet qui croise directement une question à laquelle HaBayta travaille : comment reconnaître ce qui relève de la critique politique d’Israël, et ce qui emprunte — consciemment ou non — aux catégories historiques de l’antisémitisme ?

Mardi 29 septembre 2026 à 19 heures
Visioconférence
Avec Richard Prasquier et Jean Quatremer
Inscription gratuite et obligatoire

RENTRÉE — « TU NE SERAS PAS INDIFFÉRENT »

Le Centre Simon Wiesenthal Europe ouvre sa rentrée avec XI, le film d’Andrzej Wolf inspiré du « onzième commandement » de Marian Turski. Une soirée qui ne convoque pas seulement la mémoire : elle interroge notre présent et la responsabilité de chacun lorsque l’indifférence commence à devenir une manière de regarder le monde.

Il avait ajouté un commandement aux dix autres.

« Ne sois pas indifférent. »

Marian Turski, survivant d’Auschwitz, avait fait de ces quelques mots une mise en garde adressée non seulement aux générations venues après lui, mais aux sociétés démocratiques elles-mêmes.

Car le pire ne commence pas nécessairement avec le fracas des armes.

Il peut commencer beaucoup plus silencieusement : lorsque l’on s’habitue. Lorsque l’on détourne les yeux. Lorsque ce qui arrive aux autres finit par ne plus nous concerner.

C’est cette question que porte XI — Tu ne seras pas indifférent, le film d’Andrzej Wolf, présenté à Paris par le Centre Simon Wiesenthal Europe.

Le film revendique précisément de ne pas être un récit supplémentaire sur les camps, le martyre ou même sur Marian Turski. Son réalisateur le formule autrement : « C’est un film sur nous ». Un film sur la naissance du mal, sur la résurgence de l’intolérance et de la dictature, mais aussi sur la possibilité de ne pas consentir à leur progression. XI pre-sentation

Une phrase traverse la présentation du film :

« Auschwitz n’est pas tombé du ciel. Tout a commencé par l’indifférence. »

Voilà peut-être pourquoi cette projection appartient pleinement à notre présent.

Jeudi 12 novembre 2026 à 20 heures, le Centre Simon Wiesenthal Europe donne rendez-vous au Cinéma Publicis, 129 avenue des Champs-Élysées, à Paris, pour la projection de XI — Tu ne seras pas indifférent. Le film est réalisé par Andrzej Wolf et produit par Majka Elczewska, Andrzej Krakowski, Anna et Andrzej Wolf. Invitation - XI- ne sois pas in…

À l’heure où l’on parle beaucoup de mémoire, cette soirée pose une question plus inconfortable : que faisons-nous de ce que la mémoire nous a appris ?

Informations pratiques

XI — Tu ne seras pas indifférent
Un film d’Andrzej Wolf
Jeudi 12 novembre 2026 — 20 h
Cinéma Publicis
129 avenue des Champs-Élysées — 75008 Paris

Inscription obligatoire : akap@simonwiesenthal-friends.eu Invitation - XI- ne sois pas in…

Présenté par le Centre Simon Wiesenthal Europe.

Il y a des dates que l’on commémore. Et puis il y a celles dont on ne sait pas encore sortir.

Le 7 octobre 2023 appartient à celles-là.

Trois ans après, que nous a-t-il appris de ce que nous pensions savoir ? De l’antisémitisme. D’Israël. Du sionisme. De la vulnérabilité juive. Et de ce monde occidental qui, parfois dès le lendemain du massacre, semblait déjà pressé d’en déplacer la culpabilité.

C’est à ces questions que sera consacrée, mardi 6 octobre 2026 à 19 h 30, à la Mairie du 16e arrondissement de Paris, la soirée organisée par France-Israël – Alliance Général Koenig, avec la Loge Ben Gourion du B’nai B’rith et le MPCT.

Son invité sera Georges Bensoussan.

Historien, auteur notamment des Territoires perdus de la République et d’Une nouvelle histoire du sionisme (1860-1950), Georges Bensoussan viendra parler autour d’une formulation qui, à elle seule, dit le déplacement vertigineux auquel nous assistons :

Du peuple en trop à l’État en trop

Il ne s’agira pas de refaire une histoire du 7-Octobre minute par minute. Ni d’ajouter une cérémonie à toutes celles qui auront lieu.

Il s’agira de penser.

Penser ce que le 7-Octobre a révélé. Penser ce qui s’est produit depuis. Penser cette étrange situation dans laquelle l’État né pour que les Juifs redeviennent sujets de leur histoire se retrouve sommé, jusque dans une partie du monde qui l’avait vu naître, de justifier son existence même.

Nommer l’innommable. Penser l’après.

C’est le parti pris de cette soirée.

Et HaBayta est particulièrement heureux de s’y associer et de la faire connaître.

Mardi 6 octobre 2026 — 19 h 30
Mairie du 16e arrondissement
71 avenue Henri-Martin, 75016 Paris

Inscription indispensable.

👉 S’INSCRIRE À LA SOIRÉE DU 6 OCTOBRE

Gabrielle tient son service, son équipe, son mari, sa mère. Elle tient tout — jusqu’à l’arrivée de Frida, une romancière, et de ce qu’elle n’avait pas prévu : le désir. Patrice Gree a aimé la délicatesse et, surtout, la justesse du nouveau film de Charline Bourgeois-Tacquet.

Gabrielle, cheffe du service de chirurgie maxillo-faciale d’un hôpital parisien fragilisé par un manque chronique et dramatique de soignants, se bat pour qu’il continue de fonctionner.

Son autorité repose autant sur ses compétences professionnelles que sur un engagement qui va presque jusqu’au sacrifice — un sacrifice qu’elle, digne, ne laissera jamais paraître.

Volontaire, combative, elle ne laisse échapper que quelques énervements : justifiés, brefs, parfaitement maîtrisés. Ils ne diminuent pas son autorité. Ils la renforcent.

Jouée avec beaucoup de justesse par Léa Drucker — il est vrai que je suis dingo de Léa —, Gabrielle est une femme exigeante qui tient.

Elle tient son équipe pour qu’elle ne craque pas.
Elle tient son mari, dont la passivité l’agace et qui, grâce au jeu subtil et séduisant de Charles Berling, parfois aussi l’amuse et l’émeut.
Elle tient enfin sa mère, qu’on devine peu aimante, mais que la maladie d’Alzheimer vient soudain humaniser.

Elle tient et porte tout le monde.

Jusqu’au moment de bascule, lorsque l’amour inattendu d’une romancière vient fissurer la carapace.

Frida, impeccablement jouée par Mélanie Thierry, entre dans le monde de l’hôpital afin de nourrir son roman. Gabrielle lui propose d’assister à une opération chirurgicale. Frida hésite, puis accepte.

Cette scène est importante. Elle dit tout ce qui sépare encore les deux femmes avant que, attirées peut-être précisément par leur contraire, elles ne se rapprochent.

La chirurgienne a les mains dans le sang, l’écrivaine dans l’encre.

L’une habite le réel cru ; l’autre, l’imaginaire.
L’une vit dans ce temps court où il faut prendre, presque chaque minute, une décision qui peut avoir des conséquences considérables.
L’autre habite le temps long de l’écriture, celui où l’on peut hésiter, revenir en arrière, effacer.

Deux mondes.

L’une paraît solide, l’autre fragile.

Mais l’amour pour l’une, le désir pour l’autre vont inverser les rôles.

C’est ici que le film bascule.

Un basculement lent, pudique et terriblement juste.

Juste : voilà peut-être le mot qui définit le mieux ce film.

En amour, la combattante de l’hôpital rend les armes. La fragile prend le dessus. La forte craque.

L’amour a rebattu les cartes.

Charline Bourgeois-Tacquet sait filmer avec beaucoup de délicatesse le désir amoureux, ces corps encore timides qui hésitent avant de découvrir les délices de l’abandon.

Dans une très jolie scène d’amour, l’une dit à l’autre :

« Tu vois, entre nous les femmes, le plaisir peut ne jamais s’arrêter. »

Je n’avais jamais pensé à ça.

Soudain, j’ai regretté de ne pas être lesbienne.

Et personne ne meurt !

C’est un très joli film.

Et un film juste.

Vraiment.

Patrice Gree

Six ans. Six ans sans un véritable concert.

Hier soir, à Paris, Céline Dion est entrée sur scène. Elle a commencé à chanter On ne change pas.

Et elle a pleuré.

Pas besoin d’en rajouter.

On sait la maladie. Les spasmes. Le corps devenu parfois l’ennemi de cette femme dont le métier a toujours consisté à en faire l’instrument de sa voix.

On sait aussi “mon René”, l’absence, les combats.

Quelques jours plus tôt, France 2 diffusait Il était une Voix… Céline Dion, de Yann Grasland, écrit et raconté par Nagui. Un documentaire construit autour d’une idée magnifique : pour raconter Céline Dion, peut-être fallait-il cesser de raconter sa légende et écouter sa voix.

Les archives sonores de Taratata, restaurées et isolées, font entendre le travail, les nuances, la puissance — mais aussi ce que toute voix possède de vulnérable.

Et puis hier soir, la théorie est devenue chair: Céline Dion était là.

La voix tremblait peut-être.
Elle était là.

Elle a chanté My Heart Will Go On.

Et, pour une fois, le titre disait tout.

HaBayta

À voir
Il était une Voix… Céline Dion
Documentaire de Yann Grasland, écrit et raconté par Nagui.
90 minutes. Production Banijay Production Media.
Diffusé le 8 septembre 2026 sur France 2 et disponible sur france.tv. Le film s’appuie notamment sur des archives sonores restaurées de Taratata de 1995 et 1996, ainsi que sur des sessions studio, pour raconter Céline Dion par sa voix elle-même.

Elle revient sur une scène parisienne ce soir et demain. Golda Meir, incarnée par Valérie Zarrouk dans le seul-en-scène de Michel Lengliney mis en scène par Steve Suissa. HaBayta a souhaité entendre l’actrice et le metteur en scène. Nous attendons leurs voix. Mais il nous semblait impossible de laisser passer ces deux soirées sans nous arrêter, déjà, devant cette femme dont l’Histoire n’a jamais tout à fait fini de prononcer le nom.

Il y a des personnages historiques que le temps éloigne. Et puis il y a ceux que l’Histoire, brusquement, ramène parmi nous.

Golda Meir est de ceux-là.

On croyait connaître la silhouette. Les cheveux tirés, le visage sans apprêt, le sac à main devenu presque un attribut de fonction, cette façon de ne jamais paraître impressionnée par la solennité que les autres mettaient autour d’elle. Une femme à laquelle la légende a fini par donner un surnom commode : la « dame de fer » d’Israël.

Mais le fer ne dit rien d’une vie. Il ne dit pas l’enfant née à Kiev, l’émigrée de Milwaukee, la pionnière, la militante sioniste, l’épouse, la mère. Il ne dit pas davantage ce que coûte une existence lorsqu’elle finit par se confondre avec le destin d’un pays.

Et surtout, il ne dit pas 1973. Car il est impossible aujourd’hui de regarder Golda Meir sans rencontrer, tôt ou tard, la guerre de Kippour.

Une attaque surprise. Un pays saisi au jour le plus sacré de son calendrier. Des renseignements disponibles et pourtant insuffisamment compris. L’impensable qui, soudain, advient. Puis les morts. La guerre. Les commissions. Les questions. Et cette interrogation que les démocraties posent à leurs dirigeants après les catastrophes : qui savait ? Qui aurait dû savoir ? Qui est responsable ?

Depuis le 7 octobre 2023, ces mots ont changé de poids. Voilà peut-être pourquoi Golda revient aujourd’hui avec une force particulière. Non parce que 1973 serait 2023. L’Histoire ne bégaie jamais aussi docilement qu’on le voudrait. Les circonstances, les ennemis, les responsabilités ne sont pas interchangeables.

Mais certaines questions, elles, traversent le temps: que doit un dirigeant à son peuple lorsque l’État n’a pas su le protéger ? Peut-on n’être coupable d’aucune faute précise et porter pourtant la responsabilité d’un désastre ? Que devient la solitude du pouvoir lorsque viennent les morts ? Et comment un pays recommence-t-il à se regarder après avoir découvert que ce qu’il croyait impossible était possible ?

C’est peut-être là que le théâtre peut faire quelque chose que ni le tribunal de l’Histoire ni le commentaire politique ne savent accomplir tout à fait: rendre un visage à celui que nous avions transformé en statue.

Ce soir 8 septembre et demain 9 septembre, à l’Espace Rachi à Paris, Valérie Zarrouk sera seule en scène dans Appelez-moi Golda, texte de Michel Lengliney, mis en scène par Steve Suissa.

Seule, mais avec toutes les Golda: celle des commencements et celle du pouvoir. Celle de la détermination et celle du doute. Celle que l’on admire et celle que l’on juge. Celle que l’Histoire a consacrée et celle qu’elle n’a jamais cessé d’interroger.

HaBayta a demandé à rencontrer Valérie Zarrouk et Steve Suissa.

À elle, nous voudrions demander ce que cela signifie d’habiter Golda : de lui prêter son corps, sa voix, ses silences ; et ce que trois saisons passées avec elle ont fini par déplacer en soi.

À lui, nous voudrions demander ce que cela signifie de mettre Golda en scène : comment humaniser une figure historique sans l’absoudre ; comment faire du théâtre avec l’Histoire sans la falsifier ; et si l’on peut encore mettre en scène 1973 de la même manière depuis le 7-Octobre.

Nous attendons leurs réponses.

En attendant, il y a ce soir une actrice qui entrera en scène. Et pendant soixante-dix minutes, une femme morte depuis près d’un demi-siècle reviendra nous poser des questions auxquelles, manifestement, nous n’avons pas fini de répondre.

Appelez-moi Golda.

Il se pourrait qu’en 2026 nous ayons, plus que jamais, besoin de l’appeler.

Sarah Cattan